La obra de José Campos Biscardi rememora a los artistas plásticos surrealistas de inicios del siglo XX, aquellos que se dedicaron a renegar las convecciones y protocolos sociales imperantes, llenando a los espectadores de imágenes y colores yuxtapuestos que parecieran ser sacados de un sueño. El hecho de que las protagonistas de estas obras sean un par de piernas en contacto unas con las otras, coincide con el simbolismo que respecta a ellas. Por ejemplo, el vínculo social, el que sean las que permiten las relaciones, considerar que son las que favorecen los contactos y suprimen las distancias. Poner la pierna al desnudo significa mostrar su poder.

En esta pieza del artista plástico Julio Pacheco podemos reconocer escaleras que se encuentran entre unas líneas que nos sugieren, efectivamente, una construcción. Estas escaleras recuerdan a aquellas dibujadas por el pintor holandés Maurits C. Escher porque desafían los objetos simétricos y su posición lógica, además de jugar con la perspectiva. Un espacio vacío y blanco se convierte en uno profundo y estructurado que no se acaba, que está en constante proceso de movimiento y construcción.

En la composición Tropus nos encontramos con la distorsión de imágenes que al público venezolano le son familiares: la Constitución Nacional y los escudos improvisados empleados por los civiles en las protestas del 2017. La imagen del libro de la Constitución, que ya se encuentra maltratado, y las de estos escudos, están quemadas, manchadas, salpicadas, transgredidas. No podemos dudar de que esta obra está situada en un espacio cultural, social y temporal muy específico: la lucha por las libertades que los civiles tienen por un derecho establecido en la Constitución. Ese pequeño libro que, hace más de 200 años, tuvo la intención de unirnos como venezolanos y que después de todo ese tiempo, se unen, con escudos que improvisan y que, más que proteger simbolizan, para proteger el legado.

Trapecistas es una obra que, al igual que su referente, se encuentra en movimiento y equilibrio. El artista utiliza una esfera color rojo para marcar un centro, una polea que moviliza las dos curvas de hierro (una apoyada en la base y otra elevada en las alturas) que, además, están acompañadas de una textura que pareciera ser creada por una fricción entre ellas dos. El color marrón le da un sentido de fuerza a la estructura y el rojo de la esfera central le otorga uno de pasión acumulada, de motor de la pieza.

Esta composición vuelve a ser un logro geométrico del maestro Suárez. Margot Römer nos dice que para comprender el arte de la instalación no debemos tomarlo solo como una manifestación estética, sino como un compromiso con la vida misma, con el hombre, con el aquí y el ahora. Esta afirmación coincide justamente con el objetivo de esta obra: somos testigos de no sólo ver un producto acabado, pero del trabajo puesto en él, un trabajo de días y esfuerzo físico que nos delata el gran compromiso que el artista posee.

Podemos ver, por los títulos que corresponden a estas obras, que el artista Daniel Suárez ha tenido un acercamiento a la religión santera, y no deja de usar su arte como herramienta para compartir la experiencia. Oshum es la sincretización de la Virgen de la Caridad del cobre, patrona de Cuba, en la religión santera. El cobre, en las religiones africanas, representa el elemento del agua, principio vital de todas las cosas, la fecundación y la vida.

Daniel Suárez tiene un gran interés de, mediante su arte, expresar su atracción por la naturaleza y su interpretación de ella. Le concede a esta obra el nombre por el que se conoce a la maravilla natural ubicada en Venezuela: el Salto Ángel. En ella predomina la verticalidad y la textura que se encuentra en la mitad. Además, volvemos a encontrar la simetría tripartita en las figuras tales como en los cilindros, cubos y círculos que resaltan de ella. 

Los “hilos” de hierro entrecruzados que conforman la vena de este papagayo abstracto es lo que da la ilusión de que está volando, es movido libremente por los aires, mitad sólido, mitad desestructurado con su esqueleto al aire. Esta construcción logra transmitir, mediante la dedicada manipulación del material, la misma libertad que tiene un papagayo que, gradualmente, va elevándose en el cielo. 

Cualquier interpretación que querramos tomar de Catuche va a coincidir con la inclinación del artista a las figuras naturales. Puede referirse al río que nace en el Parque Nacional el Ávila o al nombre popular de la guanábana. Esta obra geométrica nos habla de proporciones, de rectitud y de paralelismos, acompañada de un color blanco que resalta estas características.

Gastón Bachelard ve a la casa como “uno de los mayores poderes de integración para los pensamientos, los recuerdos y los sueños del hombre”. Cuando Asprino realizó su escritorio para la serie Nuevas lecturas (1997), mencionó que era una de sus piezas más emblemáticas por su tono autobiográfico, ser un reflejo de su espacio, refugio personal y lugar para el resguardo y el hacer. Con Arturo Uslar Pietri entre libros (2006) podemos encontrar este mismo lugar para el que fue uno de los intelectuales más importantes del país, un hombre que planeó e hizo país a través de la historia con Lanzas Coloradas (1931). Vemos un escritorio lleno, pero ordenado, donde abundan los libros, otro elemento crucial que representa el aprendizaje, la cultura, lo intelectual. Y es que para el mismo artista el escritorio también significa: paisaje, territorio de la memoria. Obra de abrir caminos, de hacer caminos. 

El arte de la instalación da las posibilidades físicas de afirmar lo dicho por el artista Samuel Baroni: “nunca nada está terminado”. Esta obra comienza en el ’91 y sigue siendo modificada hasta el 2014, cambiando los mecates que sostienen la barra de acero por finos hilos de nylon, con la intención de simbolizar sutileza y delgadez, y eliminando unos carbones de madera gruesa que se encontraban debajo de esta instalación. El mismo símbolo del columpio nos indica constante movimiento: el viene y va, cómo gradualmente se va más rápido o más lento, cómo se sube más alto o cómo ni siquiera se sube. El autor ha puesto en descubierto lo que él considera el alma de su obra: la fragilidad e inocencia de la niñez, de cómo algo que se considera tan hermoso y lleno de vitalidad puede encontrarse en un áspero contexto de crueldad.

La trascendencia del arte de Rolando Peña se basa en cómo asume un tema político, económico, social y científico como es el petróleo; mediante el espacio, el tiempo y el elemento del barril dorado como el centro. La base con forma de triángulo equidistante equilibra perfectamente al barril que contiene ese accidente geoquímico que impulsa a la ciencia y la creación, pero también a las guerras y la corrupción.

En esta fotografía destaca, además de la configuración triangular en el espacio, la figura del arco de medio punto: el vínculo entre la época colonial con la contemporaneidad. El presente entretejiéndose con el pasado para devolvernos el reflejo de los valores culturales que perfilan el carácter de la cultura caraqueña. Por eso es tan importante la inclusión de las personas en la parte inferior de la fotografía, con una iglesia al fondo que pareciera que se elevara hasta el infinito.

Tieztos es una obra donde el artista no sólo rinde tributo al científico José María Cruxent, sino que recoge pedazos fragmentados, al igual que las piezas que se exponen, de sus propios recuerdos. Además de viajar al Amazonas, también estuvo en una población de Falcón llamada Urumaco, donde se encuentra el Museo Paleontológico. Ahí, observó distintos fósiles de tortugas y caimanes gigantes que habitaron esas tierras hace muchos años. La conmoción que inspira al artista es la de un pasado pre-histórico que, aunque se vea muy lejano, sigue conectándonos por el punto común que compartimos con él: la madre naturaleza.

Raúl Herrera, parte de la imagen de la ciudad como un espacio heterogéneo de lugares y memorias que son de vital importancia en la construcción de lo urbano. Él busca realizar collages representativos enmarcados en el discurso referente a la ciudad contemporánea, que abordan el poder visual y narrativo del color, las formas y los diversos diálogos entre lo gráfico y el dibujo.

 Su obra está enfocada en las artes visuales, está compuesta con elementos geométricos propuestos por una matemática que rompe con el cuadro y el rectángulo. Hernández transforma las líneas rectas, sumergiendo al espectador en una variedad cromática, estableciendo al mismo tiempo un contraste entre rojos y verdes, blancos y negros, amarillos y marrones, siempre acompañados de grises, azules y anaranjados creando así formas extrañas y muy propias de su creatividad.